La obra de Eva nos invita a mirar un charco como si fuera un portal. Lo que parece un detalle cotidiano se convierte en un escenario donde la historia, la leyenda y el paisaje de Jaén conviven. Con una técnica que combina impresión digital, serigrafía y tintas especiales sobre papel hecho a mano, la artista construye una alegoría visual que habla de identidad, memoria y territorio.

El reflejo y la composición

La pieza se organiza en torno al agua de un charco, que actúa como superficie de tránsito entre mundos. Los bordes, inspirados en baldosas presentes en Jaén, sitúan la escena en un contexto urbano reconocible, al tiempo que señalan el umbral hacia un universo simbólico. Dentro del charco, las figuras emergen como si cobraran vida propia, en un espacio donde lo real y lo fantástico se encuentran.

Estilo y color

Para la creación de esta obra, Eva hibrida técnicas tradicionales y contemporáneas: desde la investigación del moku-hanga japonés hasta el uso de serigrafía con grafito sobre una pintura digital impresa en papel hecho a mano. El resultado es una obra que con sus elementos nos da la bienvenida a un universo oculto en lo evidente. Los tonos fríos de azules enmarcan el exterior del charco, mientras que en su interior surgen colores cálidos y verdes que aportan vitalidad a los protagonistas. Este contraste subraya la tensión entre superficie y profundidad, entre apariencia y esencia.

El marco cohesionador

El borde azul de las baldosas no es un simple adorno, sino un elemento integrador. Evoca la ciudad de Jaén y, al mismo tiempo, delimita el espacio en el que la memoria, el mito y la naturaleza dialogan. Es el recordatorio de que todo lo que sucede en la obra pertenece a un mismo universo, arraigado en un lugar concreto.

El diálogo entre símbolos

La obra cobra sentido en la relación entre sus protagonistas:

La mona de la catedral: esculpida originalmente en piedra y aquí transformada en figura viva, aparece acompañada de dos palomas. Representa la permanencia de la historia y la herencia del patrimonio, convertida en guardiana silenciosa de la memoria urbana.

El hada de los olivos y el lagarto de Jaén: en el lado opuesto, el lagarto mítico cobra vida y se convierte en montura de un hada que alegoriza el paisaje olivarero. Esta figura encarna la fuerza natural y la identidad agrícola de la provincia, vinculando lo real con lo legendario.

Entre ambos mundos flotan hojas y ondas de agua, que refuerzan la sensación de movimiento y de tránsito entre dimensiones.

Conclusión

La ilustración de Eva es una metáfora poética sobre Jaén como tierra de dualidades: ciudad y naturaleza, historia y mito, permanencia y transformación. Con un lenguaje visual que une lo artesanal con lo digital, la obra invita a mirar de nuevo lo cotidiano —un charco en la calle— para descubrir en él un universo de símbolos. Es un recordatorio de que la identidad de un lugar no se reduce a lo evidente de su paisaje, sino que emerge a través del diálogo entre el sentir de sus gentes y su propio paisaje: tangible, e imaginario.

La obra de Hussein Mohsin Hajeer Al Maliki nos sumerge de forma vertiginosa en el santuario más íntimo del artista: el taller. Realizada mediante un grabado láser sobre madera y la aplicación de dos tintas serigráficas, la pieza trasciende la mera representación de un espacio físico. A través de una técnica gráfica que deconstruye y codifica la realidad, Hussein nos presenta un paisaje mental, un autorretrato indirecto donde el aparente caos de la creación se organiza en un sistema visual vibrante y lleno de energía.

La composición nos absorbe de inmediato con una perspectiva distorsionada, casi de «ojo de pez», que abarca el estudio desde un punto de vista elevado. Esta elección no es casual: convierte el espacio en un vórtice que atrae la mirada hacia el centro, donde se concentra la actividad creativa en una mesa de trabajo repleta de materiales, bocetos y herramientas. El desorden es el protagonista, pero se trata de un desorden productivo, un testimonio visual de los procesos de pensamiento y experimentación del artista.

Sobre esta escena se superpone un patrón ondulante y repetitivo, una especie de efecto moiré que funciona como un velo o un filtro. Este elemento unifica la composición y, al mismo tiempo, la desestabiliza, creando una vibración óptica que dota de movimiento a la imagen estática. Dicho velo admite múltiples interpretaciones: puede ser el «ruido» digital de nuestra era, la energía latente del proceso creativo o, incluso, una representación de la propia percepción del artista, que nunca es directa, sino que está siempre mediada por su subjetividad.

En definitiva, la obra de Hussein es una poderosa declaración sobre el acto de crear. Utilizando un lenguaje visual que se nutre de su experiencia en el diseño gráfico, transforma su espacio personal en un símbolo universal del laboratorio de ideas. La pieza no se centra en lo que el artista hace, sino en dónde y cómo surge el pensamiento creativo. Es una invitación a mirar más allá de la superficie de los objetos para percibir la energía vibrante y la luz intermitente que definen la mente de un creador en pleno proceso de invención.

La obra de Mónica Bermúdez es una pieza enigmática y profundamente poética, un grabado en fotopolímero sobre papel hecho a mano de lino y abacá que explora la disolución de las fronteras entre el cuerpo, el paisaje y la memoria. Inspirada en la teoría de la panarquía de los ecosistemas, la artista articula una meditación visual sobre los ciclos de crecimiento, colapso y reorganización que rigen tanto a la naturaleza como a la existencia humana. La obra no captura un instante, sino que representa un proceso de transformación perpetua.

Presentada en una paleta monocromática de tonos sepias y terrosos, la imagen posee una cualidad atemporal, como si fuera un hallazgo geológico o el fragmento de un recuerdo antiguo. La composición se aleja del retrato convencional para escenificar una integración radical: una figura humana camuflada, casi reabsorbida por la tierra. Este cuerpo no se impone al paisaje, sino que parece estar en la fase de conservación y madurez de un ciclo, en una simbiosis que lo vuelve indistinguible del entorno.

El elemento más disruptivo y conceptualmente potente son las dos grandes manchas rojizas que se superponen a la imagen. Estas formas orgánicas funcionan como el catalizador del cambio, el momento de «liberación» o destrucción creativa en el ciclo panárquico. Su presencia quiebra la profundidad fotográfica, afirmando la bidimensionalidad del grabado. A su vez, su ambigüedad material evoca múltiples posibilidades: heridas que inician el colapso, depósitos minerales que marcan el tiempo geológico, o veladuras de la memoria. Son, en definitiva, una marca deliberada, una intervención que simboliza el evento impredecible que fuerza al sistema a reorganizarse.

El tema central, por tanto, es la transformación cíclica. La figura no solo se funde con la tierra, sino que participa en su ciclo de impermanencia y resiliencia. Es una representación de la fragilidad, pero también de la pertenencia a un sistema mayor que se regenera a través del colapso.

En definitiva, la obra de Mónica es una «enunciación» sutil y poderosa sobre la interconexión y la transformación. A través de una composición que favorece el descubrimiento y una intervención abstracta que introduce la disrupción, la artista explora la disolución del yo en un ciclo ecológico más amplio. Es una pieza que nos habla de la belleza de la vulnerabilidad y de cómo el cuerpo, la memoria y el paisaje comparten un mismo destino de perpetua renovación y olvido.

Renascentia de Elena Prado

Grabado en fotopolímero y serigrafía sobre papel hecho a mano de lino, abacá y sisal