(IN)visibles

(IN)visibles

(IN)visibles es una propuesta artística internacional que inaugura en junio de 2026 en el Museo de Jaén. El inicio de una ruta expositiva itinerante.

La pregunta

¿Qué hacen los mecanismos contemporáneos de control para volvernos invisibles?

La censura ya no funciona como antes. Ya no necesita un censor que prohíba: le basta un ecosistema de mecanismos que operan por debajo del umbral de la conciencia. No borra voces — las ahoga en ruido. No prohíbe — inunda. La vigilancia, la desinformación, la saturación informativa y la deshumanización operan como formas de censura que deciden quién cuenta y quién no, quién es visible y quién habita el territorio sin figurar en ninguna cartografía.

Frente a eso, (IN)visibles convoca a talleres de grabado de siete países para producir obra con técnicas artesanales de alta exigencia — y para construir, desde la práctica, un mapa colectivo de las formas de censura contemporánea y las respuestas que el arte impreso es capaz de articular.

Tres acciones simultáneas

El proyecto se despliega en tres acciones que operan en registros deliberadamente incompatibles: excelencia, participación y narración. No se turnan. Cohabitan. Y en esa cohabitación se produce algo que ninguna de las tres podría producir sola.

Atlas de la Sutura — Una colección de 50 obras gráficas inéditas producidas por artistas de la comunidad Bajo Presión, ensambladas en una publicación polifónica de formato estandarizado: 22 × 32 cm, con despliegues hasta 88 × 64 cm. Calcografía, fotopolímero, serigrafía, risografía, impresión digital, paper art. Un objeto táctil y mutable. Un museo portátil. Opera en el registro de la excelencia: selecciona, aplica criterios, exige.

Detente Amenaza — Una convocatoria abierta que transforma el detente bala histórico — el escapulario bordado que los combatientes llevaban como protección — en amuleto contemporáneo de autodefensa. Formato A6. Técnica libre. Costura obligatoria. Consigna: nombrar y ridiculizar lo que te atemoriza. Opera en el registro de la participación: incluye, abre, convoca a quien la excelencia deja fuera.

El Retorno del Rey Melón — El espacio de los relatos múltiples: fanzines, fotofolletos, podcasts, reels. George Gem Fickle — la IA personificada como monarca vegetal — ocupa el centro de una narrativa que se despliega bajo una condición explícita: ninguna pieza puede ser el relato definitivo. Opera en el registro de la narración: produce sentido, construye relatos, da forma a la experiencia.

La exposición

El Museo de Jaén acoge en junio de 2026 la primera presentación del proyecto completo. Las tres acciones convergen en tres soportes interconectados: la ruta expositiva itinerante, que activa el debate en cada contexto local; la publicación ensamblada, que asegura la circulación táctil de la obra más allá de la sala de exposiciones; y la plataforma digital, que funciona como memoria expandida del proceso.

La exposición en Jaén es el inicio. No el final.

Participan

Jaén · Granada · Valencia · Oakland · Phoenix · New York · Ciudad de México · Puerto Vallarta · Oaxaca · La Habana · Cienfuegos · Valparaíso · Pereira · Buenos Aires

Comunidad

(IN)visibles se produce dentro del ecosistema de la comunidad de práctica Bajo Presión (bajopresion.net), una red transnacional de talleres, artistas, investigadores y docentes especializados en edición de arte, arte gráfico y arte impreso. 65+ cápsulas formativas gratuitas. Una conversación que lleva años en marcha.

Equipo

Comisariado y dirección: Antonio Damián
Coordinación: Asociación Cultural Jaén Edita / Bajo Presión

Contacto: info@jaenedita.org
Más información: bajopresion.net

El taller

El taller

El taller de Jaén Edita es un espacio de producción de arte gráfico, arte impreso y edición de arte en la ciudad de Jaén. Completamente equipado para grabado calcográfico, fotopolímero, serigrafía, impresión digital de gran formato y encuadernación artesanal.

Aquí se producen todas las publicaciones de Jaén Edita Press. Aquí se celebran las becas de residencia «Paisajes de Jaén». Aquí se investiga y se enseña.

Equipamiento

— Insoladora IC-5000 con integrador para fotopolímero
— Prensas de grabado calcográfico
— Equipo de serigrafía
— Impresora Epson SC-6000 para edición digital de gran formato
— Planchas Toyobo Printight KM73GR
— Materiales para fabricación de papel artesanal
— Herramientas de encuadernación artesanal

Residencias de creación

El taller acoge residencias de creación para artistas que quieran trabajar en técnicas de grabado y edición de arte. Dos modalidades:

 Residencias becadas: vinculadas a convocatorias con patrocinio (como las becas «Paisajes de Jaén» con Fundación Unicaja)
 Residencias autofinanciadas: 600 € por estancia, con acceso completo al taller y tutorías

Para solicitar una residencia: info@jaenedita.org

Servicios de impresión

Servicios de estampación artesanal para artistas y galerías: ediciones de grabado, serigrafía, impresión digital giclée sobre papeles especiales. Consultar disponibilidad y presupuesto.

Visitas

El taller está abierto a visitas con cita previa. Si quieres ver cómo se produce una edición de arte, escríbenos.

Email: info@jaenedita.org

Apoya el taller

Apoya el taller

El taller de Jaén Edita existe porque alguien decide que merece existir. Hay tres formas de ser esa persona.

Amigos del Taller · 60 €/año

El nivel de entrada. Una cuota fija anual que cualquiera puede asumir. Tu apoyo demuestra que el taller tiene base social — y eso es lo que convence a las fundaciones de que esto no es un capricho.

Qué recibes:

— Tu nombre inscrito en el muro permanente de Amigos del Taller
— Newsletter trimestral exclusiva con contenido de proceso: cómo se estampa, cómo se fabrica papel, cómo se insola una plancha
— 15% de descuento en todas las publicaciones de Jaén Edita Press
— Invitación a inauguraciones y eventos

Para hacerte Amigo, escríbenos a info@jaenedita.org


Suscriptores · 150 €/año

Recibes obra original. Cada año, una estampa exclusiva producida en el taller específicamente para suscriptores. Formato 20×20 cm, técnica mixta fotopolímero y digital sobre papel artesanal. Firmada y numerada.

La estampa del primer año es «Incertidumbre».

Qué incluye:

— Todo lo del nivel Amigo
— 1 estampa original exclusiva anual, firmada y numerada
— 1 visita guiada al taller por año
— Tu nombre en los créditos de todas las publicaciones del año


Mecenas de Jaén Edita Press · Cantidad libre

Patronazgo editorial puro. No es una cuota fija. Es el modelo más antiguo de la edición de arte: alguien que confía en el criterio de un editor y pone dinero por adelantado para que las ediciones se produzcan.

Cómo funciona: adelantas una cantidad al fondo editorial. Ese dinero se convierte en producción. A medida que salen ediciones del taller — carpetas, fotofolletos, estampas — recibes obra por el valor de tu aportación. Es un fondo de confianza: no eliges qué recibes. Confías en el criterio editorial. Lo que sale del taller llega a tus manos.

Qué recibes:

— Ediciones consecutivas de Jaén Edita Press hasta cubrir el valor de tu aportación
— Reconocimiento como Mecenas en la web, catálogos y exposiciones
— Acceso directo al proceso: visitas al taller, conversación sobre proyectos en curso, derecho de tanteo sobre obra nueva
— La certeza de que tu dinero se ha convertido en tinta, papel y plancha, y vuelve a tus manos en forma de obra

En el contexto del Centenario de la Generación del 27, con incentivos fiscales al mecenazgo vigentes hasta junio de 2028, tu aportación puede tener beneficios fiscales directos.

Para ser Mecenas, la conversación es en persona. En el taller, con obra sobre la mesa. Escríbenos a info@jaenedita.org para concertar una visita.

Memoria firme II

Memoria firme II

octavio copia scaled

Esta obra del artista cubano Octavio Irving es una litografía realizada con la técnica de la siligrafía (litografía con protección de silicona). Este procedimiento le permite al artista jugar con la rica textura y gestualidad del trazo graso, convirtiéndose en un vehículo perfecto para su lenguaje visual. A través de esta técnica y de una figuración simbólica y surrealista, Irving explora las profundidades de la psique humana.

Composición y Elementos Visuales

La dinámica composición se centra en una interacción inquietante. Una figura híbrida dominante, con cabeza de ave o máscara, conecta su afilado pico de forma violenta con una de las cabezas humanas que flotan en el espacio. Esta acción sugiere una relación de poder o un vampirismo intelectual, mientras que las otras cabezas, con expresiones de pasividad o tormento, intensifican la atmósfera onírica y perturbadora.

Exploración Temática y Simbolismo

La obra se adentra simbólicamente en temas existenciales de alcance universal, utilizando la interacción central como una potente metáfora. Esta acción puede leerse como un acto de manipulación y control psíquico, donde una entidad dominante impone su voluntad sobre otra. La evidente fragmentación de los cuerpos y la angustia latente en los rostros son la manifestación visual de una extrema vulnerabilidad.

Estilo y Dominio Técnico

El estilo  gestual de Irving prioriza la emoción sobre la representación mimética. Su trazo es una fuerza en sí misma: enérgico, violento y profundamente físico. Más que dibujar, el artista parece esculpir las figuras con un denso tramado de líneas que se acumulan y se cruzan, creando una superficie texturizada que dota a los cuerpos de una vibrante y palpable tensión, tanto física como anímica. Este dinamismo se ve intensificado por un claroscuro magistral, donde las sombras profundas no solo definen el volumen, sino que se convierten en protagonistas activas de la escena, creando un ambiente opresivo y claustrofóbico. La luz lucha por emerger de esta oscuridad que amenaza con devorarlo todo. Finalmente, las figuras emergen de un fondo deliberadamente vacío, un no-lugar que funciona como un escenario puramente mental. Al aislar la escena de cualquier contexto narrativo o temporal, Irving obliga al espectador a una confrontación directa y sin escapatorias con la cruda carga psicológica de la interacción, convirtiendo la observación en una experiencia introspectiva.

Esta pieza manifiesta el poderoso universo de Octavio Irving. Frente al «vacío ontológico» que se debate en el arte contemporáneo, su obra se afirma con una figuración visceral y autorreferencial. Su trabajo se resiste a ese vacío, dotando a sus creaciones de un cuerpo sufriente, una voz expresionista y una clara teleología centrada en la condición humana. Con su técnica depurada y simbolismo, el artista nos invita a reflexionar sobre el poder y las zonas oscuras de la psique, confirmando su lugar como una voz fundamental en el arte actual.

Belen Mazuecos

Belen Mazuecos

belen copia scaled

La obra de Belén Mazuecos se erige como una potente y compleja alegoría visual que, bebiendo del lenguaje surrealista, lanza una aguda crítica a la crisis contemporánea. A través de una simbólica composición en blanco y negro, la artista nos sumerge en un paisaje post-apocalíptico que funciona como un espejo de nuestras ansiedades colectivas: el cambio climático, la fragilidad de la cultura y el absurdo rol de la humanidad en medio de un desastre autoinfligido.

La obra ha sido realizada con un grabado en fotopolímero a partir de una de sus pinturas. La elección del monocromo intensifica el dramatismo de la escena, creando un claroscuro que modela las formas y genera una atmósfera tan sombría como desoladora. El escenario es un paisaje ártico en pleno deshielo, un mar caótico de témpanos fragmentados sobre el cual se yuxtaponen tres elementos de manera ilógica y provocadora: un glaciar con la inscripción «MUSEO», una figura humana disfrazada de oso panda y un busto clásico hundiéndose junto a una escalerilla de piscina.

Esta composición es el punto de partida para una mordaz crítica al mundo del arte, un tema central en la obra de Mazuecos. La institución cultural, el «MUSEO», está grabada sobre una estructura natural, efímera y a punto de desaparecer. Al mismo tiempo, el legado de la cultura, simbolizado por la estatua clásica, se presenta como un náufrago inútil, reducido a un mero objeto estético que flota sin función en medio de la catástrofe.

Para comprender la profundidad de esta crítica, es fundamental analizar los símbolos recurrentes que la propia artista ha desarrollado. Los osos panda, como el que protagoniza esta escena, representan a los mediadores del arte —curadores, galeristas, críticos— que "cuidan" a los artistas, a quienes ella considera una "especie frágil". El disfraz, por tanto, se convierte en una metáfora de la manipulación y el control ejercidos por estos agentes, así como una alusión al camuflaje y la mascarada que el propio artista debe adoptar como táctica de supervivencia en un sistema a menudo hostil.

Este agudo análisis del ecosistema artístico es el resultado de un enfoque casi etnográfico, donde la práctica de Mazuecos se convierte en una investigación de campo. Como artista y académica, observa y registra las dinámicas del sistema, traduciendo sus hallazgos en obras que reflexionan sobre la precariedad y la crisis de identidad del creador contemporáneo, atrapado entre la autenticidad y las presiones del mercado.

De este modo, la narrativa surrealista de la obra trasciende la crítica medioambiental para cuestionar el valor que otorgamos a la cultura en un mundo en crisis. Es una pieza que incomoda y obliga a reflexionar, un sombrío recordatorio de que, en el gran naufragio, quizás el arte sea solo otro de los objetos que flotan a la deriva.